Baden Powell

Baden Powell de Aquino nasceu em Varre-e-Sai, em 6 de agosto de 1937 e faleceu no Rio de Janeiro em 26 de setembro de 2000. Seu pai era um grande entusiasta do escotismo e deu ao filho o nome em homenagem ao Barão inglês Robert Baden-Powell. Sua família se mudou para o Rio de Janeiro quando ele tinha apenas 3 anos e Baden começou a estudar violão clássico desde cedo. Ele estudou com Meira (Jayme Florence) e logo se revelou um prodígio no instrumento.

O que Baden fez pelo violão brasileiro não tem preço. Ele trabalhou apaixonadamente por mais de 40 anos e viveu na França e na Alemanha por muito tempo. Seu estilo agressivo e único de tocar influenciou dezenas de outros violonistas e sua influência continua se fazendo presente mesmo entre as gerações mais novas.

Baden era excelente como instrumentista, compositor e arranjador. Algumas de suas músicas ganharam letras escritas por poetas famosos como Vinícius de Moraes e Billy Blanco e se tornaram sucessos imortais, como Samba Triste, Berimbau e Samba em Prelúdio, as quais continuam sendo gravadas por muitos cantores e violonistas de hoje.

Em relação a sua musicalidade e técnica, um dos aspectos mais interessantes de notar é a forma como ele costumava tocar melodias em acordes. A maioria dos violonistas costuma tocar a melodia em uma ou duas cordas, mas Baden fazia o violão cantar com acordes cheios. Como algumas passagens era muito velozes, ele não usava a fórmula tradicional p-i-m-a para puxar as cordas. Em vez disso, ele tocava as primas apenas com os dedos i-m e o polegar respondia pelos baixos. Às vezes ele também usava apenas o dedo anular puxando as primas pra cima, algo parecido com um rasgueado. É muito mais fácil entender visualizando. Abaixo segue um vídeo que foi gravado nos anos 60, onde ele toca a sua composição Samba Triste:

Entrevista com Fábio Zanon

Um dos mais importantes músicos brasileiros, Fábio Zanon causou frisson no meio violonístico ao ganhar dois concursos muito importantes, o GFA e o Tárrega, em poucas semanas. A partir de então, figura entre os músicos brasileiros que mais se apresentam no exterior e tem uma atividade musical intensa e constante. Lançou recentemente um CD novo pela Music Heritage, com Sonatas de Scarlatti e passou a apresentar um programa semanal sobre violão na Rádio Cultura FM de São Paulo. Pela internet, ele nos concedeu essa agradável entrevista.

Paulinho Nogueira

A história do violonista Paulinho Nogueira começa em Campinas, interior de São Paulo. Aos 10 anos, aprendeu a tocar violão com o pai, nas rodas de cantoria que aconteciam em sua casa. Uma das primeiras músicas de que se lembra de ter aprendido a tocar foi Bispo de Rosas, de Canhoto.

Anos depois, durante a juventude, veio a São Paulo para ser desenhista, mas nunca abandonou a vontade de viver de música. "Felizmente essa carreira não deu certo, senão ate hoje estaria mexendo com desenho". Até que um de seus irmãos conseguiu que ele começasse a tocar numa boate no centro de São Paulo. "Achei que fosse um emprego provisório, mas acabei gostando daquilo." Depois, passou a se apresentar no Bar Michel, famoso entre os artistas da época, cantando nos mesmos palcos que Ângela Maria, Johnny Alf, Dorival Caymmi...

Paulinho se lembra que quando uma de suas grandes influências foi Anibal Augusto Sardinha, mais conhecido como Garoto.

De 1960 (quando gravou seu primeiro disco, A Voz do Violão) são 26 LPs, seis CDs, turnês no mundo inteiro - incluindo uma viagem a Cuba em 1979 com artistas brasileiros, a convite de ninguém menos que Chico Buarque.

O violonista passou a ficar conhecido quando gravou seus primeiros discos. "Mas o que impulsionou minha carreira mesmo foi a Bossa Nova. O movimento dava muito força para a música instrumental e eu já tocava muito, fazia solos... Quando surgiu o programa O Fino da Bossa, comecei a aparecer e todo ano gravava um disco, com músicas de Tom Jobim, Vinícius de Moraes, Edu Lobo, Roberto Menescal...", recorda.

Hoje, aos 71 anos, Paulinho Nogueira, já virou verbete, definição de violonista genial: deitou modernidade no violão quando a bossa-nova estava no auge, fez sucesso como compositor e cantor (sua canção Menina estourou nos anos 70), dividiu o palco com outros bambas, mas intuiu que teria um papel ainda mais importante nos bastidores. Tornou-se um disputadíssimo professor de violão, criou um método de harmonia. Em 69, desenhou a craviola (instrumento de doze cordas, que acabou exportado para os EUA e a Europa) e foi mestre de um sem-número de músicos, entre eles, um futuro parceiro de disco: Toquinho.

Hoje, quase quatro décadas de sua estréia no vinil, Paulinho Nogueira lança Chico Buarque - Primeiras Composições, desta vez em homenagem a um dos maiores compositores brasileiros. Dê uma olhada na genialidade do violonista no vídeo abaixo tocando um samba em Prelúdio:

Canhoto da Paraíba

Francisco Soares de Araújo, cujo nome artístico é Canhoto da Paraíba, nasceu em 1927 (embora só tenha sido registrado em 1928) na pequena cidade de Princesa Isabel, interior da Paraíba. Canhoto da Paraíba é um dos três raros casos de violonistas e virtuoses brasileiros que tocam violão canhoto sem inverter as cordas.

Ele nasceu numa família musical e o violão era tocado por seu pai e compartilhado com outros membros da família. Canhoto sempre se interessou em tocar, mas não conseguia fazê-lo como se fosse destro e nem podia trocar as cordas, de maneira que acabou aprendendo sozinho e desenvolvendo sua própria técnica.

Músico muito talentoso, começou a criar suas próprias composições ainda novo, e valsas e choros eram seus estilos preferidos. Quando Canhoto Paraíba se mudou para o Rio de Janeiro, todos ficaram assombrados com sua técnica e a qualidade das suas composições. Seus choros têm um sabor nordestino e suas idéias harmônicas eram deveras interessantes e incomuns naquela época.

Infelizmente, Canhoto parou de tocar e compor devido a um derrame que o deixou parcialmente paralisado e comprometeu sua capacidade de tocar o instrumento.

Abaixo é possível ver um raro vídeo do próprio Canhoto tocando sua composição "Todo Cuidado é Pouco", que foi feita nos anos 50 e mostra uma linguagem harmônica incomum para a época e lembra o estilo de Garoto.

Mais alguns exemplos:

Mulher Rendeira (Zé do Norte) - Aqui Canhoto aparece como arranjador. Trata-se uma gravação ao vivo e que mostra bastante também da sua capacidade de improvisação ao tocar em grupos de choro, mas o trecho vai mostrar apenas a introdução no violão solo.
Pisando em Brasa (Canhoto da Paraíba) - É uma música que inicia com um tema muito simples e cria o "clima" para os músicos improvisarem em cima. mas também mostra alguns blocos de acordes que tornam a música bastante interessante.
Com Mais de Mil (Canhoto da Paraíba) - Tocada por Raphael Rabello, é um choro que alterna seqüências fluentes de harpejos com paradas bruscas.
Tua Imagem (Canhoto da Paraíba) - Uma valsa inspirada e sensível, aqui na interpretação de Marco Pereira.

José Rastelli

Violonista de linguagem musical única e elogiada. É assim que José Rastelli, 75 anos, é considerado pelos colegas que, como ele, têm o instrumento como paixão. Modesto, o músico, nascido em Araraquara e morador de Rio Preto, prefere dispensar os elogios. “Violão não tem hierarquia. Às vezes, um violonista toca bem uma música que o outro não toca tão bem e vice-versa.”

Atualmente, Rastelli sente-se à vontade apenas tocando violão num quarto de sua casa. Mas não foi sempre assim. Por muitos anos, ele esteve sobre o palco. Só na Orquestra Sinfônica de Campinas foram 11 anos de trabalho, iniciados na década de 1970.

Apesar da carreira expoente entre os anos 1960 e final dos 1980, Rastelli nem sempre é lembrado como nome importante da música na cidade onde mora. Reflexo da desatenção brasileira aos talentos e também pela opção de viver quieto em seu canto. Ele gosta mesmo é de tocar e não precisa de palco para isso. No mês passado, saiu de casa e participou de uma apresentação em Rio Preto com músicos como o violonista Welson Tremura e o maestro Paulo de Tarso.

A inserção de Rastelli na música mistura predestinação e relutância. O pai dele era fabricante de violino e violão. “Ele fazia instrumentos e tocava um pouco. O sonho dele era que eu estudasse música”, conta. Rastelli começou a estudar violino por volta dos 10 anos. “Na época, já tocava violão de ouvido, e mal, é lógico.”

Mais tarde, na adolescência, tentava encontrar emprego, mas o pai queria que o filho se dedicasse à música. “Eu arrumava um serviço e ele me tirava.” Mas não era só o pai do menino que acreditava no talento dele. “Estava trabalhando em uma casa de ferragens havia pouco tempo e fui chamado para fazer uma apresentação de violino. No dia seguinte, no emprego, o patrão comentou da apresentação e perguntou se era algum parente meu que estava tocando. Respondi que era eu. Então ele me pagou e disse ‘vai tocar violino’.”

Nessa época, ele morava em Catanduva. Só mais tarde viria para Rio Preto. O pai de Rastelli, que levava o menino onde tivesse um maestro, veio com o garoto para a cidade, onde ele se juntou a músicos adultos que formavam uma orquestra de amadores.

Rastelli formou-se em violino, mas sua paixão continuava sendo o violão. Em 1973, mostrou sua destreza no instrumento em um programa de TV apresentado por Hebe Camargo. Lá, apresentou “Rapsódia Húngara nº2”, de Franz Liszt. “Eu estudei a peça e a tirava por trechos.” A apresentação de aproximadamente dez minutos surpreendeu tanto na qualidade quanto no tempo. Como na televisão dez minutos são considerados uma eternidade, assim que terminou de tocar, Rastelli teve de sair correndo, não pôde nem se despedir de Hebe.

Quando foi para a Orquestra em Campinas, no final dos anos 1970, começou tocando viola de gamba, instrumento tocada com arco. “É um instrumento semelhante ao violino, mas um pouco maior e com um som mais grave. Estudei uns três meses, entrei na orquestra e lá fiquei 11 anos.”

Do mesmo modo que o violão é onde Rastelli sente-se confortável, o mesmo acontece com a música erudita, sua preferida. Mas isso não impediu que ele tocasse o repertório popular. “Do popular, toco a velha guarda, toco tango, bossas. Também toquei em orquestra de baile bolero, samba.”

Ao longo de sua carreira, o violonista gravou seis discos, na época do vinil, e outros três CDs. Ao todo, Rastelli tem 12 músicas próprias. Entre seus compositores preferidos estão Beethoven e Chopin. Este último, aliás, fez a obra que ele mais gosta - “Fantasia-Improviso”. “Sou apaixonado por ela. Ouvi em um filme sobre a vida de Chopin quando ainda era moleque e pensei: vou ter de tocar isso um dia.” E continua: “Foi a vida inteira de estudo para chegar a isso.” Para quem ouve é difícil acreditar que a sonoridade alcançada por Rastelli sai apenas de um violão.

Em 1987, o violonista se aposentou e abandonou a maratona de ensaios de cinco horas diárias na orquestra. Mas não se afastou do violão. Continuou fazendo concertos pelo Estado.

Hoje, são poucas as apresentações. Rastelli segue orientação médica para descansar ao máximo a mão direita, por conta de uma tendinite (inflamação no tendão por esforço repetitivo), resultado de anos de trabalho. Mas se ele consegue ficar longe de seu instrumento é outra história. Quem o conhece bem sabe que ele passa o dia inteiro com o violão. “Forço mais a outra mão e deixo a direita quieta.” Declaração difícil de ser levada a sério por quem já o ouviu e o viu tocar.

E se Rastelli já não se apresenta com a frequência de antes, há outras formas de perpetuá-lo. “Eu acho que as composições dele ainda vão encontrar um público e serão tocadas por outros violonistas”, diz o violonista Fábio Zanon.

Fábio Zanon: ‘A técnica dele (Rastelli) é limpa, sua musicalidade é simples e comovente’

Músico ainda é referência para violonistas

Dentre os músicos que José Rastelli admira está Fábio Zanon, um dos mais respeitados violonistas do País. E a consideração é mútua. A primeira vez que Zanon ouviu Rastelli foi em 1978, aos 12 anos, em Jundiaí. Na época, o menino Zanon tocava um pouco de violão, mas não conhecia alguém que dominasse o repertório clássico no instrumento. Foi o pai de um amigo que apresentou um LP de Rastelli a Zanon. “Ele me trouxe um LP que tinha um repertório híbrido, com peças clássicas, temas de filmes, arranjos de temas mais populares. Mas era tudo tocado de um jeito que eu nunca tinha ouvido até então.”

A ocasião marcou também o interesse de Zanon por Villa-Lobos, já que no disco havia uma gravação do “Prelúdio nº1”, do compositor brasileiro. “Eu fiquei fascinado com a amplitude daquela música. Não imaginava que o violão pudesse fazer uma coisa dessas.”

Zanon conta que mais tarde se deu conta da importância de Rastelli, músico que se destacou mesmo dentro de uma geração de grandes nomes do violão. Ele explica que nos anos 1950 e 1960 surgiram importantes violonistas no Brasil, tanto no âmbito clássico quanto no popular, e cita nomes como Geraldo Ribeiro, Turíbio Santos e Barbosa Lima. Ainda segundo Zanon, a bossa nova causou uma “explosão” de violão no País e nesse período atuaram Laurindo Almeida, Luís Bonfá.

Mais tarde, surgiram Toquinho e Baden Powell. Em um período que os violonistas famosos se concentravam em São Paulo e no Rio de Janeiro, Rastelli levava música ao interior paulista, misturando obras clássicas, composições próprias, arranjos de tango, choros e músicas latinas. “A técnica dele é limpa, a musicalidade é perfeita, simples e comovente.”

Rastelli é influência também para músicos de Rio Preto. Para o violonista Welson Tremura, rio-pretense professor da University of Florida, Rastelli é uma referência de como trabalhar a música em um contexto criativo. “Ele criou uma forma de interpretar canções, harmonizar melodias e misturar com muito bom gosto o erudito ao popular, mas com sotaque do interior.”

Para o violonista João Kouyoumdjian, que concluiu mestrado este ano na Julliard School, em Nova York, José Rastelli o influenciou na relação com a plateia. “O jeito pouco ortodoxo/acadêmico de sua performance, mas extremamente eficaz no palco, é um talento típico de artistas imortais como Vladimir Horowitz, Alfred Cortot, e Andres Segovia. Tem a ver com a apropriacao da obra de arte em um nível muito pessoal. O público sente o pulso de Rastelli.” 

Curso de violão - Qual devo fazer?

Quando você for escolher um curso de violão, escola de música ou professor particular (Professor Hamilton Turibio), tenha sempre em mente:

Professores particulares de Violão

São pessoas que trabalham por conta própria, geralmente seguem diferentes metodologias um em relação ao outro, sendo assim não oferecem ao aluno um prazo exato para conclusão de curso. Mas nesse meio existe mais contato professor-aluno, o que o ajuda na hora de fazer suas negociações e também mantém uma relação mais aberta sobre a matéria em questão.

Escolas de Música

Escolas de Música geralmente são organizadas, oferecem material didático, estrutura especializada entre outros. Porém manter uma estrutura boa no Brasil custa muito caro, sendo assim, eles geralmente cobram o dobro (mensalidade) do que um professor particular de violão.

Somando os custos de transporte, compra de livros, cópias de cifras etc… O curso de violão acaba custando quase que o valor de um curso de nível superior.

Observação: Se você optar por aprender a tocar violão com um professor particular ou escola de música, dê preferência para aqueles que ofereçam um prazo de conclusão, pois como “eles” GANHAM POR HORA, se torna interessante controlar o progresso do aluno no intuito de preservá-lo mais alguns meses frequentando as aulas de violão. Mas isso varia conforme o preço... Afinal violão não se aprende por meses e anos e sim durante o resto da vida. Logo mesmo que dure bastante tempo, pode te render e valer: dinheiro e esforço.

Revistinhas de Banca

Na minha opinião pessoal esse é o pior sistema de ensino de violão, pois essas revistinhas com cursos de violão geralmente utilizam uma metodologia teórica e ultrapassada… Sinceramente, quem vai querer aprender  a tocar violão com músicas da década de 50?

Sem contar que você pode adquirir vícios que podem prejudicar e muito o seu progresso, que muitas vezes são tomados como ensino de forma errada.

Cursos de Violão pela Internet

Esse tipo de curso de violão nada mais é que um reflexo da evolução humana, pois além de ser mais barato que escolas e professores de música, você conta com recursos audio-visuais que com certeza absoluta oferecem resultados mais rápidos aos seus alunos, apesar de não incluir o contato pessoal com alguém que realmente possa te instruir passo a passo na aprendizagem.

Então a única coisa é você decidir, repito a relação aluno-professor é muito importante! Numa escola de violão você pode não receber tanta atenção se estiver precisando de incentivo, na Internet você necessitaria de muita dedicação e dispor um horário só para isso, a revistinha de banca não rende ensino nenhum só alguns acordes no máximo, e com um professor particular a decisão é sua! Temos nossa dica: professor Hamilton Turibio. Vale a pena conferir.

Joaquín Rodrigo

Joaquin Rodrigo (Sagunto, 1902 - Madrid, 1999) foi um compositor espanhol. Ele perdeu a visão aos três anos por causa de uma difteria, então começou a escreveu tudo em braille, em seguida, ditava a um copista. Estudou composição com Francisco Antich em Valência (1920-1923). Em 1927 ele se mudou para Paris para continuar seus estudos na Ecole Normale de Musique com Paul Dukas (até 1932) e mais tarde, musicologia com Maurice Emmanuel e André Pirro.
Travou amizades com personalidades tão eminentes quanto Manuel de Falla, Ravel ou Honegger. Em 1933 ele se casou com a pianista turca Victoria Kamhi e, após uma estadia na Suíça, se estabeleceu definitivamente em Madrid desde 1940, ganhando o posto de professor de História de Música na Universidade de Madrid.

Naquele mesmo ano ele apresentou o seu Concierto de Aranjuez para violão e orquestra que lhe daria fama. O compositor neste trabalho, mostrou um estilo inconfundível, que ele chamou de "neocasticismo". Em suas composições destaca a preferência pelas formas clássicas e elementos refinados como um elo entre as tradições espanholas das tradições do passado e do presente. Ciente dos movimentos estéticos europeus, não abandonou o seu estilo próprio, que sempre afirmou sua própria personalidade.
Escreveu obras de todas as estruturas formais musicais, em particular o concerto. Suas composições incluíram música para teatro e música vocal, cultivada especialmente (Cântico da mulher, 1934; Quatro madrigais amorosas, 1948), dando à canção uma nova linguagem universal, com obras-primas. Além disso, importantes obras compostas para violino, violoncelo e flauta. No entanto, deve sua fama à sua contribuição para o repertório de violão, dando universalidade à guitarra espanhola como um instrumento de concerto.

Gioachino Rossini

O Google homenageia hoje o 220º aniversário de Gioachino Rossini. Rossini foi um compositor erudito que criou 39 óperas, além de trabalhos para a música sacra e "cômica". O compositor possuía trabalhos divertidos e por isso tornou-se o preferido na sociedade apolítica. Gioachino Rossini se apresentava em toda a Europa e por ser tão conhecido recebeu o apelido de "Napoleão da Música". O nome foi dado pelo escritor Henri-Marie Beyle.

Obras de Gioachino Rossini

Gioachino Antonio Rossini escreveu diversas obras, mas gostou mais do teatro e das óperas e passou a se dedicar mais a essas atividades. O seu primeiro grande sucesso foi lançado em 1813 e recebeu o nome de "Trancredi". Depois ficou realmente conhecido com a obra cômica chamada "O Barbeiro de Sevilha".

Rossini é italiano e nasceu na cidade de Pesaro em 29 de fevereiro de 1792. Sua família já tinha tradição na área da música. Seu pai era trompista e sua mãe cantora. Com seis anos aprendeu a tocar triângulo e iniciou sua participação na banda de seu pai. Aos 14 anos, o compositor começou a estudar em um liceu musical e se encantou pelas composições de Hadyn e Mozart.

Os doodles são as mudanças que o Google faz em seu logotipo. Na maioria das vezes são utilizados para comemorar feriados, aniversários e grandes acontecimentos históricos. Também são comuns para homenagear cientistas, artistas e políticos. Até hoje o Google já criou mais de mil doodles diferentes.

Alguns deles fazem muito sucesso e deixam de ser apenas uma homenagem  e se tornam logos interativos. Isso aconteceu em maio do ano passado, por exemplo, com a criação do jogo Pac Man, quando o Google prestou sua homenagem pelos 30 anos do tradicional game. Outro doodle que foi um sucesso na internet foi a guitarra interativa. Ela foi criada para comemorar os 96 anos do guitarrista americano Les Paul, caso ele estivesse vivo.

Sérgio e Odair Assad

A partir dos concertos de suas infâncias e de suas estréias de adolescentes em Nova York em 1969, os irmãos Assad realizaram um percurso musical apaixonante.

Tomando por base o repertório tradicional para dois violões, ao qual se referiam como “repertório Presti-Lagoya”, Sérgio Assad e Odair Assad acrescentaram as contribuições dos brasileiros Radamés Gnattali, Francisco Mignone, Heitor Villa-Lobos, Marlos Nobre, Egberto Gismonti, Wagner Tiso e Hermeto Pascoal.

No início dos anos 80, Sérgio e Odair se fazem conhecer na Europa. Seu incrível talento e sua extraordinária personalidade musical surpreendem e entusiasmam a todos.

Astor Piazzolla, literalmente fascinado depois de ouvi-los em casa de amigos comuns em Paris, em 1983, dedica a eles, pouco depois, três tangos originais para dois violões, com o titulo de Tango-Suite, hoje no repertório dos duos de violões de todo o mundo.

Ao explorarem os tesouros barrocos, Sérgio e Odair compartilhavam irmãmente as duas mãos do cravo de Rameau, Scarlatti, Bach e Couperin - uma experiência fabulosa que deu origem a um disco. Com o tempo, aperfeiçoam de maneira surpreendente, porém harmoniosa, a mescla de épocas, estilos e culturas num mesmo programa de concerto.

Os Irmãos Assad acrescentam, depois, ao seu repertório, além de obras especialmente escritas para eles por Nikita Koshkin, Terry Riley e vários outros compositores, transcrições audaciosas como as da Rapsódia em Blue de Gershwin, Scaramouche de Darius Milhaud e a Sonata Opus 22 de Alberto Ginastera. Transcrições que deixam o público estupefato ao ouvir versões coloridas, ritmadas e apaixonantes de obras que acreditavam conhecer muito bem.

Solicitações e colaborações variadas ampliam ainda mais o campo das atividades musicais dos dois irmãos. Entre elas, a música do filme japonês Natsu No Niwa, encomendada a Sérgio e gravada por eles em 1994; sua associacão e apresentações, em concertos e gravações, com o violinista Gidon Kremer e a soprano Dawn Upshaw, em 1996, com o violoncelista Yo-Yo Ma e o violinista Fernando Suarez Paz, em 1997, e com a violinista Nadja Salerno Sonnenberg em 1998; e mais a criação de dois concertos para dois violões e orquestra, escritos especialmente para eles pelos compositores brasileiros Edino Krieger e Marlos Nobre - sem falar dos projetos futuros que eles preparam com paixão.

Seu trabalho obstinado e sua imaginação sem limites fazem de Sérgio e Odair Assad herdadeiros líderes dentro do universo do violão: seu duo é “um verdadeiro fenômeno, que o tempo e o amadurecimento farão entrar para a História” (Diapason) 

Andres Segovia

Andres Segovia foi um violonista clássico espanhol. Um dois mais importantes instrumentistas do século XX, é responsável pela revalorização do violão nos concertos eruditos. Seu virtuosismo estimulou compositores contemporâneos como Alfredo Casella, Castelnuovo-Tedesco, Joaquín Turina e Heitor Villa-Lobos a criar obras especialmente para o instrumento.

Nascido na cidade de Linares, Andaluzia, Andrés Segovia estuda piano e violoncelo desde a infância, mas logo se interessa pelo violão, apesar do desprezo com o qual o instrumento era visto na época. As dificuldades para encontrar professores obrigam-no a desenvolver técnica própria, de maneira autodidata e intuitiva. 

Em 1909 apresenta-se em público pela primeira vez, em Granada, e viaja em seguida pela Espanha e pela América Latina. Já consagrado nesses locais, estréia profissionalmente em Paris, em 1924. Durante sua carreira, amplia o repertório e as possibilidades expressivas do violão, mediante a transcrição para este instrumento de mais de 150 peças de compositores barrocos - em especial Bach, Couperin e Lameau -, escritas originalmente para alaúde, guitarra espanhola e cravo. Morre em Madri.  Abaixo temos Adre Segovia o Prelúdio nº 1 de Villa-Lobos.

Heitor Villa-Lobos

Villa-Lobos começou sua carreira como qualquer um. Foi influenciado musicalmente por seu pai desde pequeno, já algum tempo depois abandonou seus estudos musicais e começou a tocar em cafés e teatros, sem grande expêriencia musical e sem grande sucesso. Mas por sua decisão, quis conhecer o Brasil. Assim, começou a abranger e expandir seu conhecimento, tanto musical como cultural, sendo influenciado por muitos fatores e detalhes da cultura de cada região.

Como é de se esperar, a reação de muitos críticos à um novo personagem na história da música, os levou a criticarem-no e, fazendo assim, ser conhecido. Em uma de suas apresentações, foi vaiado pelo público, o que geralmente cria expectativas de desistência. Mas Villa-Lobos prosseguiu e com a ajuda de outros compositores conseguiu meios de viajar à Paris e lá foi com a sua música.

Enquanto estava em Paris, obtia mais sucesso do que quando estava no Brasil. Quando voltou ao Brasil entregou um projeto de educação musical à Secretaria de Educação do Estado de SP e foi aprovado. E foi aí que começou a promover o ensino musical e o canto coral nas escolas, e a ser regente da maioria deles. 

Só então, foi apoiado por muitos nesse momento e se tornou supervisor do ensino musical em todo o Brasil. Nisso ele regia corais, criou cursos, compunha e assim foi se tornando "O HEITOR VILLA-LOBOS" e se tornando alguém para a história musical no Brasil e internacionalmente. Também compôs uma impotantíssima obra chamada Bachianas Brasileiras em homenagem à Johann Sebastian Bach.
E aqui temos uma das Bachianas Brasileiras, a nº 1, apreciem porque é não há como descrever algo tão bem feito, é muito lindo! Salve Villa-Lobos. Temos também abaixo, Julian Bream tocando os Preludes 3 & 4 de Villa-Lobos também.

Paul Galbraith

Vamos conhecer Paul Galbraith?
Em homenagem à um grande nome da música clássica, decidi pesquisar sobre Paul Galbraith, a quem particularmente tenho uma declarada paixão por sua música e maneira de tocar. Galbraith não tinha pais violonistas, mas vinha de uma linhagem de músicos.“Ouvíamos muita música clássica em casa.Com três ou quatro anos, eu já ficava praticamente hipnotizado por alguns discos dos meus pais”, lembra Galbraith. E desde então começou sua carreira como violonista por muitas da influências que já tinha adquirido desde sua infância. Morando no Brasil há algum tempo, o violonista foi um dos fundadores do aclamado Quarteto Brasileiro de Violões – ele saiu do grupo há um ano e meio. Galbraith também é conhecido pelas suas ótimas transcrições de outros instrumentos para o seu violão Brahms de oito cordas. E agora temos a entrevista com Galbraith onde ele conta tudo sobre sua trajetória com o violão, sobre sua peculiar forma de tocar e muito mais. Confira:

Francisco Tarrega

Francisco Tárrega, pianista, guitarrista e compositor espanhol, aluno de Julián Arcas, enriqueceu consideravelmente o repertório de guitarra. Além das suas composições fez numerosas transcrições para este instrumento. Foi professor de alunos que marcaram, eles próprios o seu tempo, como foram Miguel Llobet e Emílio Pujol.

Tárrega foi um importante violonista espanhol que revolucionou a composição para violão. Tárrega também teve suas habilidades musicais questionadas quando defendeu uma metodologia diferente da que era usada em sua época.

Segundo ele, o toque realizado pela mão direita no violão deveria ser feita num ângulo de 90º, e com a parte "macia" do dedo, ou seja, a unha não deveria ser utilizada. Tárrega justificava essa metodologia afirmando que o toque do dedo "nu" causava uma sensação de maior "controle emocional" e técnico da obra em execução.

"Gran Vals" talvez sua mais famosa música. Ela não é conhecida por muitas pessoas porém todos já ouviram um pedaço. Sendo que essa música se chama "Gran Vals" (Grande Valsa) e é o toque padrão da empresa de telefonia celular Nokia.

Francisco de Asís Tárrega Eixea nasceu em Vila-real, em 21 de Novembro de 1852, em uma casa situada junto ao santuário de San Pascual Baylón. Seus pais, Francisco Tárrega Tirado, e sua mãe, Antonia Eixea Broch, trabalharam como caseiros para as Madres Clarissas.

Este ganhava a vida tocando violão, e sabia muito bem todos os truques para animar a generosidade do público, segredos que ensinou ao jovem Tárrega.

Em 1862, o famoso concertista Julián Arcas deu um concerto em Castellón e teve a oportunidade de escutar
o jovem Tárrega tocar. Ficou tão impressionado por sua habilidade que recomendou a seu pai que o enviasse a Barcelona para melhorar seus estudos musicais.
Deste modo, Tárrega mudou-se para Barcelona, mas logo abandonou a casa de seus familiares, onde residia e se uniu a um grupo de jovens músicos, tocando em tabernas e cafeterías para ganhar algum dinheiro, em lugar de assistir as aulas no conservatório.

Seu pai, sabendo disso, foi a Barcelona para trazer Tárrega de volta para casa. A situação econômica força Tárrega a contribuir no orçamento familiar, de maneira que realiza vários concertos em povoados vizinhos, consegue uma vaga como pianista em Casino de Burriana.
Durante este tempo, alterna seu trabalho de pianista com uma valente defesa do violão. Um rico homem de negócios, Antonio Canesa, custeia uma viagem de Tárrega a Madrid para melhorar seus conhecimentos no Conservatório Nacional de Música.
Quando chega ali, adquiri seu primeiro violão de qualidade, fabricada por Antonio Torres, de Sevilha,e que se converterá na sua preferida para sempre. E aqui está uma de suas obras: Recuerdos de la Alhambra, tocado por Narciso Yepes.

Kazuhito Yamashita

Kazuhito Yamashita é um violonista japonês. Gravou inúmeras peças do repertório para violão solo, duo, acompanhado de conjuntos e orquestras, e transcreveu varias peças de suas formações instrumentais originais para violão.

O japonês Kazuhito Yamashita, começou a estudar violão aos oito anos de idade com seu pai, Toru Yamashita. Em 1972, onze anos, idade, ele ganhou a Kyushu Guitar Competition. Quatro anos depois, ele recebeu o primeiro prêmio no All Japan Guitar Competition.

O fato mais intrigante ao longo de ver Yamashita tocando, deve vir do fato dele ser um asiático, porque ele tem tão intensa e extrema facilidade de tocar rápido que você quase não vê os dedos se movendo... É brincadeira, mas é muito impressionante a agilidade do violonista em desenvolver todos os acordes de forma tão perfeita, e com tanta agilidade - coisa de asiático não é?

Dê uma olhada na tamanha genialidade e agilidade de Yamashita para com o violão: